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Obra de teatro de La Ida

‘Una familiar’, la nueva joya teatral de la compañía La Ida

Hoy nos ocupa el fascinante universo teatral de la compañía La Ida, fundada en 2009 y con una interesante trayectoria en sus siete años de vida.

Apuestan por un teatro cimentado en el trabajo actoral y el equilibrio entre el drama y la comedia. Su primer proyecto fue “Joined at the head” de Catherine Butterfield, un texto que no estaba publicado en nuestro país y que hicieron traducir, rebautizándolo como “Maggie & Maggy“.  Con este espectáculo, fueron premiados en la Muestra de teatro de Barcelona en 2011 y estuvieron durante dos temporadas en el Teatro del Raval y en el Versus Teatre, donde la obra tuvo muy buena acogida de público y crítica, vendiendo las entradas con gran rapidez y liquidando sus localidades la mayor parte de los días. Desde su estreno, la obra ha sido representada en diferentes teatros como la Sala Trono o el Teatro Principal de Vilanova. En 2015, el colectivo retoma la gira.

La compañía también ha participado en la producción de “Mí padre, una vida en torno” dentro del ciclo Bioroom que acogió 5 piezas en diferentes espacios no convencionales de la ciudad. Además con su último trabajo Amargo Soufflé  ganan el Primer certamen de Micro Teatro Cómico de “Teatro del Barrio” en Madrid 2015.

Ahora, la compañía tiene la mirada fija en un nuevo horizonte. Están trabajando en su nuevo proyecto, titulado “Una familiar“, que verá la luz a finales del mes de marzo, y, tal y como sucedió con su anterior obra “Maggy & Maggie”, su nuevo proyecto promete cosechar un rotundo éxito.

 

Escena de la obra de teatro Maggie & Maggy.

Escena de ‘Maggie & Maggy’.

 

Vamos a estudiar en profundidad las claves de ese proyecto, lo que se cuece en el interior de tan brillante compañía y la reciente apertura de su campaña en Verkami, donde ya han recaudado la mitad del presupuesto necesario para dar forma a “Una familiar” y que se estrenará el 31 de marzo en el Àtic 22, Teatre Tantarantana.

 

Sinopsis

¿Cómo reaccionarías si un día te encontrases con un padre que hace más de 20 años que no ves y que vive en la calle? “Una familiar” cuenta la historia de tres hermanos: Lluïsa, la hermana mayor, una artista alcohólica que vive en Munich obsesionada en crear; Anna, la hermana mediana, mujer de un odontólogo que nunca está; y Pepet, el pequeño, pensionado por incapacidad laboral y dedicado a no hacer nada en todo el día. Por azar o por destino, después de mucho tiempo, los hermanos se reúnen en la nueva casa de Anna; Pepet tiene algo que contar. Ha visto a papá. Estaba sucio y “borracho”. Deciden salir a la calle a buscarlo para invitarle a casa, o, mejor dicho, para raptarlo en un intento de relacionarse con él.

 

“Una familiar” o la historia de un abandono

A través de “Una familiar”, los componentes de La Ida nos sumergen en la historia de una familia cualquiera cuyas vidas se ven marcadas por el desafortunado suceso de la desaparición del padre, algo que “mancha” sus vidas convirtiéndolos en los señalados, los infectos. Los tres hermanos cargan entonces con el peso de una ausencia que es como un suave veneno que corroe el alma lentamente. Y, cuando la ausencia no está acompañada de una buena razón, la herida se mantiene ofensiva, convaleciente.

“Una familiar” es el retrato de tres hermanos ávidos de padre. Su síndrome de abstinencia es de una considerable magnitud, pues necesitan una figura paterna que les devuelva el equilibrio. Necesitan un pilar. Y saldrán a la calle a buscarlo. Pero algunos pilares no son lo que parecen; son construcciones vacías, estructuras frágiles, vacilantes, casas de paja fáciles de derrumbar, y entonces no queda más remedio que aprender a sostenerse uno mismo.

 

Escena de 'Una familiar' en el teatro Tantarantana

Uno de los momentos de ‘Una familiar’

 

Teatro de creación

En este nuevo trabajo, los artistas que forman la compañía toman como punto de partida el imaginario propio, se adentran en un proceso de creación colectiva y ponen sobre el escenario diversas preguntas. ¿Qué harías si te encontraras con tu padre veinticinco años después de que te abandonara a ti y a tus hermanos? ¿Y si se tratara de un padre “loco”? Este conflicto ha servido como motor en el trabajo de improvisación de los actores y se presenta como generador de una buena parte del material dramatúrgico.

Además, si buscamos entre las inspiraciones, encontramos que toman como referente el cuento de “Los Tres Cerditos“, pues utilizan la misma estructura estableciendo un paralelismo entre “cerditos-lobo” y “hermanos-padre”. Les atrae la idea del terror del cuento clásico hacia la figura del lobo y extrapolan este miedo a la figura del padre. Así, se comienza a generar la metáfora “padre-lobo”, elemento que abre nuevos horizontes en el trabajo de investigación.

Los tres hermanos se sitúan en un territorio emocional quebradizo —y a menudo cómico— debido a la enorme torpeza con que se relacionan, lo que les hace oscilar entre el miedo infantil y la responsabilidad adulta. Esta dualidad genera un comportamiento extraño, desequilibrado y muchas veces esperpéntico. La acción dramática se mueve entre el hiperrealismo y el absurdo.

 

Los espacios

La acción dramática se sitúa en la casa y el espacio del bosque. Desde el marco de los tres cerditos, exploran la casa como concepto de confort y seguridad. Refugiarse bajo un techo proporciona una seguridad física, pero no se puede hacer nada ante la amenaza de un personaje libre y desarraigado como es su padre-lobo. La dificultad de los dos cerditos más inseguros en cuanto a encontrar el espacio adecuado dentro de sus vidas hace que abandonen una casa y vayan a otra mejor, como si se tratara de un éxodo hacia la “casa prometida”.

La cuestión principal es que el espacio donde pretenden refugiarse, es decir, la casa de la cerdita responsable, es un espacio despojado de identidad, una especie de zona cero donde todo está por hacer y en el que nadie se siente cómodo.

Salir de la casa supone para los hermanos una amenaza, pues se adentran en la zona de peligro, en el bosque, lugar en que se esconde el lobo. Pero, al mismo tiempo, existe un deseo de encontrar la figura prohibida. Por otro lado, deciden que el bosque sea un viejo espacio conocido, un lugar de la infancia donde jugaban y donde se bañaban en el río. Aquí se alteran los principios del cuento tradicional, y la casa deja de ser un lugar acogedor. El bosque guarda las vivencias más felices.

 

 

Puesta en escena

Trabajar sobre la idea de mudanza les ofrece un amplio abanico de posibilidades para desarrollar la puesta en escena. Así, podemos ver objetos nuevos y sin vida, cajas de cartón, muebles embalados, y, sobre todo, una capa de papel blanco que forra todo el espacio escénico y que va mutando a medida que la acción avanza. Asimismo, utilizan las proyecciones audiovisuales sobre el papel para introducir nuevas atmósferas que nos alejan del realismo y nos sitúan en un espacio onírico. Mediante la intervención de esos elementos, construyen y deconstruyen el espacio en función de las necesidades dramatúrgicas del momento.

En cuanto a la parte audiovisual y la puesta en escena, la compañía cuenta con las colaboraciones de Núria Gámiz, directora de fotografía de cine que ha colaborado también en diferentes espectáculos como diseñadora de luces, y Bruno Hidalgo, ilustrador, dibujante y diseñador gráfico.

 

Una ayuda necesaria para un proyecto necesario

La Ida ha abierto una campaña en Verkami con el fin de recaudar fondos para llevar a cabo tan ambicioso trabajo. El dinero conseguido en la campaña irá destinado a cubrir una parte de los gastos de producción de la obra, donde se incluyen escenografía, vestuario, transporte, atrezzo, maquillaje, material audiovisual, vídeos y proyecciones.

Las recompensas que pueden obtenerse aportando un granito de arena a estos artistas son realmente atractivas y curiosas. De algún modo, han volcado su potencial y creatividad en los anónimos que creen en el arte y apoyan esta serie de valiosos proyectos. Entre ellas, podemos encontrar desde entradasmerchandising e ilustraciones originales hasta una pizza familiar en tu casa llevada por los propios personajes de la historia, hacer un cameo en la obra o un pase privado de la función en tu propio salón.

Todo un mundo de posibilidades para una ambiciosa compañía y para un público deseoso de disfrutar del teatro en estado puro. ¡El arte está más vivo que nunca!

 

Acceder a la campaña de ‘Una familiar’

Conoce mejor a la compañia LA IDA

Conoce a la cía La Ida

 

Ficha artística

Textos: Amaya Mínguez

Dirección: Cristina Gámiz

Ayudante de dirección: Simona Quartucci

Reparto:
Jose Pérez-Ocaña
Sonia Sobrino
Carla de Otero
Josep María Alejandre

Producción: Cristina Ferrer i La Ida

Vestuario: Susana Bascuñana

Iluminación: Núria Gámiz i Belén Fernández

Escenografía: Bàrbara Massana

Creación Audiovisual: Núria Gámiz i Bruno Hidalgo

Vídeo i foto: El tío Carretilla

 

Repaso a los Oscars 2016

Un año más, el mundo del cine se ve resumido por los medios de comunicación en una única noche, la de la gala de los premios Óscar. El encargado de presentar esta entrega fue Chris Rock. El actor, cómico y guionista abrió la gala con un monólogo afilado que sacaba a la superficie el problema de diversidad entre los nominados a dichos galardones. Entre broma y broma sobre la falta de nominados afro-americanos, se presentaban los primeros premios. La Gran Apuesta y Spotlight eran los primeros en recoger la estatuilla, el primero por mejor guión adaptado y la segunda por mejor guión original.

Todo esto antes de que Mad Max se hiciera con el control de la gala, acaparando toda la atención en los premios técnicos llevándose Mejor Montaje, Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario, Mejor Maquillaje, Mejor Sonido y Mejores efectos sonoros. Solamente Ex-Machina se abrió paso ante el dominio de la película de George Miller para llevarse el premio a los mejores efectos especiales.

 

Fotograma de la película “Mad Max”.

 

En el apartado musical, la mejor canción se fue para Writing’s on the Wall de un Sam Smith que se mostró muy emocionado al recoger el premio por la canción compuesta para Spectre, la última iteración en la saga de James Bond. La mejor banda sonora se la llevó Ennio Morricone por su trabajo en Los odiosos ocho, el primer Óscar que logra el compositor italiano y que viene a reconocer el trabajo de toda una leyenda.

El mejor largometraje de animación fue a manos de (¡sorpresa!) Inside Out, la película de animación firmada por el estudio Pixar y cuyo discurso de agradecimiento podría reducirse en un “nos vemos el año que viene”.  De la misma manera, se fueron sucediendo una serie de premios sin demasiado suspense como el de Amy por mejor documental, El hijo de Saul como película de habla no inglesa e incluso el de Emmanuel Lubezki por la fotografía de The Revenant.

De esta forma entramos en la recta final de la gala, donde se exponen las categorías que más expectación despiertan.

Las primeras en sucederse fueron las que premian a los mejores actores de reparto. En la categoría femenina, Alicia Vikander fue premiada por su papel en La Chica Danesa, mientras que en la categoría masculina el premiado fue Mark Rylance por su papel de espía soviético en El puente de los espías, en una de las pequeñas sorpresas que nos dio la noche.

 

Fotograma de la película “La habitación”.

 

En cuanto a la categoría de mejor actriz, fue Brie Larson quien se impuso a Saoirse Ronan, Cate Blanchett, Charlotte Rampling y Jennifer Lawrence por su interpretación en Room.

Llegaba el turno para el premio al mejor actor principal, donde no hubo lugar a la sorpresa y Leonardo DiCaprio se llevó la estatuilla que todo el mundo esperaba con impaciencia, imponiéndose a Michael Fassbender, Eddie Redmayne, Bryan Cranston y Matt Damon. Un premio que se le ha resistido desde hace años y que se llevó en su quinto intento.

Con esto sólo quedaban por concederse las estatuillas a mejor director, que se lo llevó por segunda vez consecutiva Alejandro González Iñárritu por El renacido, y el de mejor película, que se fue a manos de Spotlight.

Haciendo balance general, Mad Max se proclama como la ganadora cuantitativa de esta edición de los Oscars, con 6 de los 10 premios a los que optaba. Aunque quedó sin premio en las categorías más importantes, en las que sí triunfaron Spotlight y El renacido, aunque cosecharan un número reducido de premios. Como contrapunto, encontramos películas como The Martian, Carol o Sicario, que se fueron con las manos vacías de esta 88ª edición de los Oscars.

 

Fotograma de la película “El renacido”.

 

KAOS libro ilustrado

KAOS: El libro de los dioses

Ante la llamada de los dioses, hacemos hoy un salto en el camino para viajar al principio de los tiempos. Desde siempre, los dioses han supuesto, de un modo u otro, una fuente de inspiración para la representación artística. Son seres fantásticos cuyas particularidades atrapan toda nuestra atención, dejando a un lado si pertenecen a la parte de la bondad o a la de la maldad. Cada una de esas divinidades tiene sus particularidades, haciendo casi imposible una única elección por el más capaz de ellos.

 

KAOS es un artbook creado por Marcos Moreno, un artista que se encuentra en estos momentos sumergido en un proyecto ambicioso con el deseo de sumar un elaborado trabajo a su trayectoria artística.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Marcos Moreno es un publicista que últimamente ha sentido la necesidad de volver a crear desde la intuición, pero esta vez con un conocimiento previo gracias a una trabajada carrera como director de arte. Sin tapujos, se dedica a este proyecto con la máxima dedicación posible y siempre con unas ganas imparables de explorar dentro de su ingenio y creatividad para explotar una temática que le apasiona.

Poseidón

Poseidón. Diós del mar

Afrodita

Afrodita. Diosa del amor

¿Qué es KAOS?

Es el conjunto de relatos ilustrados basados en la mitología griega. Seres divinos que nacen de ese estado primigenio del cosmos infinito que existía antes de que los dioses y las fuerzas elementales conjugaran para ponernos a todos en nuestro lugar. Kaos fue lo primero que existió, dando lugar posteriormente a Dioses, Titanes, mortales, ninfas…

Marcos Moreno sitúa este proyecto desde la perspectiva de entender que la vida no tiene forma fija ni durable, sino que sólo es una lucha entre elementos antagónicos que avanza según cuál de ellos gana. De darnos el gustazo de no ser responsables de nuestros actos.
Que sí, que la ciencia ha sido capaz de explicar el desorden universal con una teoría del caos que se resume en el batir de alas de una mariposa que provoca huracanes, pero antes de que la razón hiciera desaparecer la magia, hubo un tiempo en el que su lugar lo ocupó una mitología que explicaba lo mismo con personajes que no por ser mentira son hoy menos reales. Unos dioses a imagen y semejanza del ser humano, y no al contrario.

Musas: Calíope, Clío y Urania

Musas: Calíope, Clío y Urania

 

Ha tardado dos años en realizar esta colección, investigando sobre los dioses griegos y todas sus historias. Desde la cultura católica buscó referencias de cómo ésta representaba a los suyos, añadiendole un punto más estético de inspiración modernista. Colores que se funden con la forma y formas que se funden con el fondo para formar un todo. En la colección podemos ver colores que representan diferentes elementos, según el campo de poder del dios en cuestión. Azul oscuro con la mente, amarillo la luz, verde la tierra, azul claro cielo, rojo sentimientos y emociones y el azul turquesa agua.

 

GEA. Madre Tierra

GEA. Madre Tierra. Tamaño 21x21cm (cerrado)

 

Este artbook toma forma con sus habilidades en la ilustración, una rama artística que permite representar con alto grado de determinación cómo ve uno las cosas, o las sueña. Recuerriendo a la palabra, cada uno de los seres mitológicos irá acompañado de un texto de Claudio M. de Prado, redactor/colaborador de “El comidista” (EL PAÍS), entre otros.

 

Crowdfunding

Marcos Moreno quiere llevar las 60 ilustraciones al papel en forma de artbook. Pero es ante todo la ilusión de poder compartirlo con los demás lo que le ha llevado a crear un proyecto de crowfunding en la plataforma de Verkami con el fin de financiar los costes y estar al servicio de quien quiera disfrutar en sus manos de este magnífico trabajo, que, como hemos dicho antes, nos transporta a los sueños mitológicos que todos alguna vez hemos tenido en nuestra infancia o algunos también siendo adultos.

Desde aquí os animamos a que apoyéis este tipo de ideas y proyectos que ayudan a comprender mejor la historia y la belleza del mundo a través del arte.

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BRAM cortometraje verkami

‘Bram’ o el cortometraje hecho con talento

Cuidado que vienen fuertes. Si hablamos siempre de la importancia de la manifestación artística y de la capacidad de los jóvenes artistas para potenciarla a su máximo nivel, hoy no va a ser menos. Hacemos un alto en el camino para presenciar un trabajo de grandes proporciones, ambicioso, meditado y genial. Así es Bram, una prometedora producción cinematográfica que busca apoyo para dar el salto del papel a la pantalla.

Bram es un cortometraje rodado en co-dirección entre Ferran Ureña y Ana Bear. En el caso de Ferran, el citado cortometraje es el segundo proyecto en el que participa como director tras su película Barcelona 92; en el caso de Ana, Bram constituye su debut como directora. El resto del equipo de filmación lo completan Guillem Tramullas en la dirección de fotografía y Blai Carriet en la Dirección de Arte, dos apoyos muy necesarios y decisivos para la elaboración de un proyecto de tan gran calibre. La producción corre a cargo de Voxpro, una productora que ha trabajado principalmente en el sector publicitario y que poco a poco está ampliando su campo hacia el género de ficción.

 

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Los componentes del equipo en el lugar de filmación

 

 

¿Qué es ‘Bram’?

Bram es un cortometraje de género fantástico con tintes de terror clásico. A modo de breve sinopsis de lo que nos espera es posible desvelar que tras la repentina muerte de Vincent, hombre solitario y sin herederos, su casa acaba en manos de sus vecinos, un matrimonio cuyo hijo, Pol, es de un característico carácter introvertido. En las entrañas de Pol comienza a tejerse una extraña fascinación por la recién desocupada casa de su vecino, llegando a sospechar si Vincent estaba realmente solo en el momento de su muerte, descubriendo así a la criatura a la que Vincent llamaba “Bram”.

Pol estará interpretado por el joven actor catalán Marc Aguilar, mientras que el papel de Vincent correrá a cargo del reconocido actor madrileño Ramón Radós. La actriz Azahara Moyano será la encargada de dar vida en la pantalla a la madre de Pol, una mujer humilde y serena que trata de transmitir estos valores a su hijo, mientras que el papel del padre, personaje conservador, egoísta y manipulador, todavía está en proceso de búsqueda.

 

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‘Bram’. Fotograma del teaser

 

 

¿Por qué ‘Bram’?

Bram nace por un descontento con la representación que de la infancia se ha hecho en el cine. Aunque, como en todo, existen excepciones, los miembros que toman parte en el proyecto son de la creencia de que se ha tendido con pasmosa facilidad a infravalorar al espectador y a las preguntas tan interesantes que éste podía plantear.

Los recuerdos más felices son los de la niñez. Tendemos a circundar nuestra vida con toda clase de recuerdos infantiles, los observamos siempre desde un lado subjetivo y terminan convirtiéndose en nuestras pequeñas quimeras. Bram, precisamente, gira en torno a una quimera, y sale disparado hacia la construcción de un mundo propio cuando uno siente que le están robando lo más importante, la infancia. Ese sueño que crece en la mente de un niño, dando paso a una obsesión que todavía en una edad adulta prevalece, se convierte en el principal protagonista de su existencia.

 

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‘Bram’. Fotograma del teaser

 

Presente y futuro de ‘Bram’

La criatura de Bram está siendo construida por un equipo de caracterización y FX a tamaño real (unos 70 cm.) y se están mecanizando partes de su cuerpo para dotar al pequeño monstruo de autonomía en la expresividad.

A modo de aperitivo para amantes del arte, cabe destacar que la filmación se llevará a cabo con una Viper, una cámara muy exclusiva de la que solo existen tres unidades en nuestro país, por lo que, en adición a lo dicho hasta el momento, queda patente que el más mínimo detalle está cuidado a la perfección.

El cortometraje tendrá una duración de entre 12 y 15 minutos, y su inminente filmación tendrá lugar en los alrededores de la provincia de Barcelona, concretamente en la zona del Berguedà. Y aunque tan delicioso proyecto no puede verse todavía, ya es posible ir saciando el apetito cinematográfico con el teaser que rodaron hace un par de meses. Aunque en él se escucha el Only You de The Platters, la música del cortometraje será original para esta ocasión y correrá a cargo de José Manuel Quintana.

 

Es del deseo de sus componentes que el proyecto empiece a rodarse el 9 de septiembre del presente año y que se complete su filmación el día 13 del mismo mes. Bram es ambicioso, pero viene fuerte porque quiere -y merece- un futuro cinematográfico, hecho por el cual, y con fines a su producción, tienen abierta una campaña de crowfunding en la reconocida plataforma Verkami para poder financiar el cortometraje.

La campaña acaba en pocos días, así que ahora es el momento de valorar, de analizar y de prestar un poco de nosotros mismos a quien merece un reconocimiento. Le queda muy poco para alcanzar el objetivo y cualquier empujón, cable o mano, sea uno amante o no de la expresión artística, es bueno para que unos jóvenes con talento lleven a cabo tan ansiado trabajo.

Ya son muchos y muy buenos los proyectos que quedan en la cuneta por falta de oportunidades. Hoy recomendamos a quien quiera prestar un momento de su tiempo que deambule por entre lo que Bram nos ofrece -o quiere ofrecernos-, y se dé cuenta de que tan excelente proyecto merece nuestra acción. Si el proyecto se lleva finalmente a cabo, presentarán el cortometraje en el próximo Festival de Sitges, por lo que puede que dentro de poco los veamos en lo más alto.

Campaña de Bram en Verkami

Campaña de Bram en Verkami

 

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160 millones por Las Mujeres de Argel de Picasso

Cada vez que leo una de estas noticias me sobrecojo y soy incapaz de entender qué pasa por la mente de alguien capaz de gastarse 160 millones de euros en una obra.

No cabe duda de que Picasso fue el artista más grande del siglo XX, el precursor del cubismo al que admiro profundamente, pero la pintura Las Mujeres de Argel, que acaba de establecerse en la más famosa casa de subastas de Nueva York como la pintura más cara jamás vendida, no es a mi parecer una de sus mejores obras. Y aunque fuera la mejor obra de la Historia del Arte no concibo que se haya vendido por esta desorbitada cantidad.

 

Mujeres de Argel. Eugène Delacroix, 1834.

 

Durante la última etapa de su vida, Picasso empezó a pintar una serie de interpretaciones de sus obras preferidas, entre ellas Mujeres de Argel, pintada en 1955 y basada en la sensual obra de 1834 de Eugène Delacroix. Picasso siempre sintió predilección por esta obra llena de sensualidad. Como gran amante y pintor sexual, esta obra le provocaba las más delirantes fantasías orientales. El genio malagueño hizo un tributo al talento romántico del pintor francés Delacroix, que con Mujeres de Argel rompió y estableció nuevos parámetros en la pintura francesa. Dicha pintura está considerada una de las primeras obras maestras del erotismo francés, un género radical por aquel entonces para la pudiente sociedad y que haría brotar durante el siglo XIX grandes obras sensuales como las de Courbet, Manet y posteriormente, en 1907, al mismísimo Picasso con su archiconocida obra Las mujeres de Avignon.

La pintura Las Mujeres de Argel es extraordinaria para cualquiera que conozca la obra y trayectoria de Picasso, pero no obstante, y quizás porque cuando lo pintó tenía ya 76 años, esta obra no tiene la fuerza y el fuego del genio que sorprendió al mundo con sus trabajos entre 1900 y 1940. Digamos que es un cuadro relativamente incierto si lo comparamos con la maestría de sus anteriores obras. Y entonces, si no es una de sus obras maestras, ¿cómo es posible que se vendiera por este desorbitado precio?

 

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Desnudo, hojas verdes y busto. Pablo Picasso, 1932.

 

Hace meses fue Bacon quien batió el récord con su tríptico vendido por 146 millones de euros y, al igual que el anterior, me parece un precio absurdo. En 2010 un cuadro de Picasso mucho mejor valorado y mucho más grande que Las Mujeres de Argel se vendió por 66 millones de euros y se coronó por entonces como el cuadro más caro jamás vendido. Desnudo, hojas verdes y busto se pintó en 1932, en pleno auge del artista español y se considera una obra bastante importante en su trayectoria. Y entonces, si pueden vender una obra de Picasso mucho menor y menos importante a un precio mayor, ¿qué está pasando? Quizás muchos piensen que Picasso vuelve a estar de moda. El año pasado se reabrió el Museo Picasso de París y esto hizo que de nuevo el mundo del arte volviese a fijar sus ojos en Picasso cuyo nombre volvió a resonar fuerte en todos los medios de comunicación. Pero no, no es una moda. Hay otro motivo más potente por el cual los millonarios derrochan esa cantidad de dinero en las subastas. Lo cierto es que en los últimos años las grandes fortunas han aumentado a la par que la desigualdad social, y las obras de los pintores vanguardistas cada vez escasean más. Quizás sea por eso que los grandes coleccionistas se afanan en hacerse con los cuadros de los grandes maestros vanguardistas a cualquier precio.

Está claro que esta élite vive en una burbuja. No quisiera conocer a nadie que se gaste semejante cantidad de dinero en un cuadro y en una simple tarde. Es una cantidad que roza el insulto, aún más el mismo día en el que los medios se hacen eco de una réplica del terremoto en Nepal que lleva segadas 8000 vidas y ha destruido un país entero. Esta venta de la subasta de Christie’s es surrealista en un día como hoy.

Nada debería costar ese precio, ni la obra más importante de Picasso, que fue, es y seguirá siendo hasta el fin de nuestra historia uno de los genios más importantes del arte internacional.

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Repaso a los Oscars 2015

En un momento en el que los premios cinematográficos como los Goya, los Bafta, o en el caso que nos ocupa, Los Oscars, se reducen en los medios de comunicación a una excusa para dar publicidad a las grandes firmas de ropa bajo los titulares tan poco sutiles como “los mejores y peores vestidos de la noche”, “el glamour de la alfombra roja”, “las más sexys de la noche”, etc., no veo necesidad de determinar que la gran ganadora de los Oscars fue Birdman, o que Boyhood fue la gran olvidada para otros. Tampoco hace falta comentar que la nominación de la película ‘Selma’ y que el despropósito de ‘El Francotirador’ de Clint Eastwood se podían resumir en unas meras formalidades políticas.

No, a eso ya estamos acostumbrados. Lo que realmente nos ha inquietado este año ha sido lo poco consecuente de la academia con sus nominaciones. En esta ocasión, los nominados a las candidaturas han sido un reflejo de su indecisión; es curioso que Foxcatcher estuviera nominada a mejor director (Benett Miller) y a mejor actor (Steve Carrell), pero no hubiera ni rastro de ella en las nominaciones a mejor película. Lo mismo ha ocurrido con Selma, la película que retrata la figura de Martin Luther King en su lucha por la igualdad racial, que estuvo nominada a mejor película pero que no optó a la estatuilla por la mejor dirección (Ava DuVernay).

 

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Imagen del rodaje de ‘Birdman’

 

Si ordenamos las películas por número de premios, las tres protagonistas principales de la noche fueron Birdman, El Gran Hotel Budapest y Whiplash. La primera en especial, dirigida por el mejicano Alejandro González Iñárritu, se hizo con cuatro de las estatuillas, contando la de mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor director de fotografía. El reconocido Emmanuel Lubezki, recogía su segundo galardón consecutivo, ya que el año anterior se lo llevó gracias a Gravity.

Por otro lado, El Gran Hotel Budapest, dirigida por el peculiar Wes Anderson, se llevaba otros tantos, como el de mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor banda sonora y mejor maquillaje.

Whiplash

Fotograma de Whiplash

La revelación de la temporada fue para Whiplash, la cinta de Damien Chazelle, que se llevó tres galardones, mejor montaje, mejor sonido y mejor actor de reparto para J.K Simmons por su papel de exigente profesor de conservatorio. La potente historia de superación de un joven percusionista (Miles Teller) que intenta hacerse un hueco dentro del mundo profesional ha cautivado tanto a la crítica como a la academia y ha superado a otras películas de corte más dramático como La teoría del todo que solamente se llevó un galardón (mejor actor para un emocionadísimo Eddie Redmayne por su interpretación en el biopic de Stephen Hawking) o incluso la apuesta más independiente y reconocida por la crítica, Boyhood, de la cual ya hablé en artículos anteriores.

En el ámbito de la animación destacó Big Hero 6. La apuesta de este año por parte de Disney se llevó el galardón a mejor largometraje de animación, bastante merecido ya que la academia pareció olvidar una de las propuestas animadas más interesantes e imaginativas de 2014, la LEGO película, que sí hizo acto de presencia en la gala, gracias a un divertido número musical protagonizado por las cantantes de su tema principal, Everything is Awesome.

 

Fotograma de Big Hero 6

Fotograma de Big Hero 6

 

Al parecer sí que se hizo algo de justicia con alguna película en particular, ya que El Francotirador, conocida por todo internet por su famosa escena con un bebé de plástico en manos de Bradley Cooper y Sienna Miller, sólo se llevó el Oscar a mejores efectos de sonido. Su pobre guión y su austera dirección decían muy poco para estar entre las nominadas a llevarse la mejor película. Todo un misterio para los que nos sorprendimos al ver que Perdida, la última película de David Fincher, no estaba entre las nominadas en casi ninguna categoría.

Como pasa siempre con este tipo de galas y premios no se puede contentar a todo el mundo, pero dentro de las películas nominadas parece ser que la academia ha elegido la propuesta más arriesgada y original, un reflejo del mundo en el que vivimos, las redes sociales y la continua búsqueda de reconocimiento que se hace patente a través de éstas.

las mejores campañas publicitarias creativas 2014

Las diez campañas más creativas de 2014

Los grandes eventos vienen acompañados de grandes campañas publicitarias. La razón es que millones de personas verán tu producto en ese momento de gloria de la marca. Para que el éxito toque la puerta de la campaña, debe de haber un baile armónico entre la exuberante creatividad y el momento exacto en la cual se promociona la marca.

El ya difunto 2014 trajo grandes eventos; el mundial de Brasil, la Superbowl, entregas de premios, etc., y junto a ellos grandes campañas. Pero no solo los grandes presupuestos destacan por su alcance, impacto y creatividad, sino también las pequeñas producciones, que a pesar de tener un presupuesto infinitamente más reducido comparado con el de las grandes marcas tienen una repercusión muchas veces a nivel mundial debido a su alta dosis de creatividad. En cuanto a los formatos de difusión y creación, están tomando protagonismo las campañas dirigidas al mundo online, o por lo menos todas se apoyan en estos canales.

Y todas ellas están reunidas en esta lista de: “Las diez campañas más inspiradoras, cargadas de creatividad, oportunismo mediático que dieron que hablar del 2014, según Juan Pablo Badani”, o mejor, “Las diez campañas mas creativas del 2014″.

10- Samsung Oscars Selfie, por Ellen DeGeneres.

Aunque no hubiese parecido que era una campaña, todo estaba fríamente calculado, y ya estaba pactado con la presentadora de los Oscares del 2014.

El impacto mediático tanto online como offline fue inmediato, la foto fue tomada en directo y reunía dentro de la imagen rostros más cotizados de Hollywood, llegando a romper récords en Twitter históricos y difícilmente abatibles: un millón de retweets en 40 minutos

El emplazamiento publicitario dentro de los premios tuvo una inversión aproximada de 18 millones de dólares. En la planeación de la estrategia participaron tres grandes agencias de Estados Unidos: 72 and sunny- Los Angeles, PMK BNC- New York, Edelman Digital- New York.

Una mezcla de genialidad, de conocer las tendencias, del target y de hacerlo en el momento preciso hizo de esta campaña algo histórico en la publicidad moderna.

 

Campaña Samsung

Camapaña de Samsung en los Oscares 2014

 

9- Chipileta, Dulces Anahuc.

Una de las campañas más sinceras del 2014 en la que no se hace ninguna falsa promesa. Chipileta es una marca icónica de dulces en México. De la mano de la agencia (anónimo) y uno de los directores creativos más reconocidos en su país por su genialidad y locura, la marca llego a impactar no solo a nivel local sino que fue reconocida a nivel internacional en festivales publicitarios de Iberoamérica.

Esta campaña es una muestra de que con un presupuesto modesto, una sobredosis creativa y estratégica y teniendo las ideas claras de hacia dónde quieren ir, las marcas pueden llegar a traspasar sus propias fronteras.

 

 

8- Bob Dylan, Box Discografía completa.

Celebrando los casi 50 años del lanzamiento del primer álbum de Bob Dylan, Sony Music agasaja al mítico músico de Minnesota con un set box recopilatorio con 35 álbumes de estudio, 6 en vivo y 2 completamente desconocidos. Y para promocionarlo, la agencia Interlude utilizo una estrategia online.

Creando un video interactivo para la que fue nombrada mejor canción de la historia “Like a Rolling Stone”, el video gira en torno a 16 canales en los cuales el usuario puede elegir qué canal desea ver. Una idea muy simple pero que combina los ingredientes perfectos para asegurar el éxito de la campaña.

La campaña tuvo un impacto inmediato con 47 millones de reproducciones en dos semanas, convirtiéndose en trending topic mundial. El vídeo alcanzó y sobrepasó sus objetivos.

Con una estrategia estrictamente digital, Interlude demuestra que un cliente tan poderoso como Sony Music y un producto artístico tan inmenso como Bob Dylan pueden llegar a utilizar solamente los nuevos medios de comunicación online para promocionarse.

 

Si quieres ver el video interactivo entra en este enlace: http://video.bobdylan.com/desktop.html

 

7- HBO, HBO GO.

Una de las casas productoras más grandes del mundo promociona HBO GO, la versión móvil para reproducción en streaming de sus contenidos. Llevando a cabo su campaña de forma simultánea tanto en televisión como en Redes Sociales, en su primera semana recibió más de 350 mil suscripciones en su canal de Youtube.

La idea creativa gira alrededor del entorno familiar. Los padres de las nuevas generaciones tienen mentes más abiertas y quieren conectar con sus hijos; el problema es que puede que los hijos no estén tan dispuestos a que esto pase.

Esta campaña la lleva a cabo la agencia SS+K, que con una idea simple se llevó varios premios tanto en Cannes como en otros premios internacionales de publicidad.

Puedes ver todos los Spots a continuación:

 

HBO Go Awkward Family Viewing from SS+K on Vimeo.

 

6.- Visionlab, El sol no es lo que dicen que es.

Una de las más divertidas campañas y con uno de los presupuestos más reducidos. Otra gran muestra de que una gran ejecución publicitaria no necesita tener gran respaldo económico, solamente una buena idea y un equipo que ame lo que hace.

Vienen de la mano de la agencia LOLA Madrid, la cual tiene como insignia la creatividad cercana y emocional, utilizando el tono humorístico en muchos de sus trabajos. Esta agencia tiene la fórmula del éxito para las marcas que confían en la LOLA.

Esta campaña ganó premios internacionales en Cannes y El Sol de Oro en su sector.

El Sol from Blur Producciones on Vimeo.

 

5- Colgate, Agua.

Desde Perú llega una de las campañas de concienciación que más impacto tuvo en Latinoamérica. El agua es uno de los recursos más escasos en algunas zonas de los países andinos. Colgate, junto con Young & Rubican Perú, crean esta campaña para el Día Mundial del Agua.

Esta campaña tuvo mucha repercusión y fue llevada a Colombia con perspectivas de llevarlo a más países como parte de “Save the Wather”.

 

 

4- Chipotle, Scarecrow.

Chipotle es una cadena de comida rápida cuya filosofía es ofrecer comida de alta calidad, obteniendo sus productos directamente de las granjas que cuidan el medioambiente, y sobre todo el trato digno a los animales que utilizan en su menú.

Todos los valores de marca se ven reflejados en esta impecable campaña que viene como complemento de la App para IOs “Scarecrow”. Un juego en el cual el espantapájaros tratará de evitar a una compañía controlada por cuervos que no respetan el medioambiente.

Este trabajo se llevó a cabo tanto en medios online como offline, pero el complemento que hace que llegue el mensaje de forma más certera es el factor de entretenimiento que ofrece su aplicación móvil.

 

Si quieres descargar el juego de la campaña lo puedes conseguir en este enlace: http://www.scarecrowgame.com/

 

3-Alto Palermo Shoping Center, Ex.

La tercera mejor campaña que el 2014 nos ofreció viene de la mano de una de las más grandes agencias de Latinoamérica, Young & Rubican Argentina. Todos los años esta agencia se lleva premios internacionales y este año no fue diferente.

Publicidad clásica, pura y dura. Los creativos que se sientan a hacer arte en torno a un producto, y en este caso a un centro comercial, nos traen una verdadera obra maestra cargada de humor e insights poderosos.

 

2- Campofrío, Larga Vida.

Una campaña para la gama de productos Cuída-T+. Campofrío lanza un gran Spot de la mano de McCan Erickson. Como target, un público joven, y como mensaje, algo claro: si quieres llegar a tu vejez y, en lugar de sentirte viejo, quieres sentir la posibilidad de hacer todo lo que te plazca, tienes que cuidarte ahora.

Con esta campaña la marca sigue apostando por comunicarse con un código mucho más cercano a su público, sin mensajes complicados, pero sí utilizando la retórica y el humor en todo momento.

En el segundo lugar, otra campaña que tiene como eje central la publicidad de la vieja escuela.

 

CAMPOFRÍO “Larga Vida” from Nicholas Berglund on Vimeo.

 

1.- Cerveza Andes, Gallina.

Puede que muchos no estén de acuerdo con este número uno del 2014, pero en lo personal es un Spot que no puedo parar de ver. La genialidad, la inteligencia del mensaje y a la vez la sencillez de la idea, llevan a esta campaña a lo más alto de esta lista.

No es de extrañar que dentro de los tres primeros estén agencias argentinas. Todos los años, en festivales internacionales e iberoamericanos, Argentina se va con los brazos rebosantes de premios. El nivel de creatividad con presupuestos relativamente bajos hacen que este país sea una de las grandes potencias en cuanto a publicidad creativa.

Haciendo una analogía de la “gallina de los huevos de oro”, la agencia Del Campo Saatchi & Saatchi nos lleva al cuento de la “gallina que pone botellas de cerveza”. Con un mensaje audaz, utilizando un tono humorístico, la agencia consigue sin duda transmitir su mensaje.

 

Joaquin Phoenix - Her

Lo mejor del año en 15 películas

Tras cerrar el 2014, nos proponemos hacer un top 15 con los mejores títulos del séptimo arte que hemos podido disfrutar en la cartelera española. Una lista en la que, desgraciadamente, tenemos que dejar de lado títulos que no han tenido distribución en nuestro país, pero que se han ganado nuestra atención en los festivales más importantes de cine. Pese a todo, el 2014 nos ha deleitado con algunas joyas dignas de mención. Allá vamos.

 

1. Under the Skin

 

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Fotograma de Under the Skin – Jonathan Glazer

 

Hace unas cuantas semanas ya os hablábamos de ella en el blog, y es que su hipnotismo y sus formas nos dejaron sin palabras en el Festival de Sitges. Es por esto que, aunque no se haya estrenado en España, creemos que se merece estar a la cabeza de esta lista.

Una increíble Scarlett Johansson esconde a una alienígena nada común, que llega a Escocia con la misión de atraer hombres y alimentar a su especie con la piel de éstos. Jonathan Glazer, su director, crea un microcosmos en el que la naturaleza y los espacios más inquietantes se entremezclan para atraernos y romper todos nuestros esquemas.

 

2. A Propósito de Llewyn Davis

 

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A propósito de Llewyn Davis (Inside Llewyn Davis) – Ethan y Joel Coen

 

Fue una de las primeras películas estrenadas en 2014. En ella, los hermanos Coen nos llevan al Nueva York de los 60 para presentarnos a una especie de Ulises, sin posesiones, sin Penélope y sin hogar al que volver, pero que vaga por la ciudad buscando lo que cualquiera en nuestros días, cumplir sus sueños.

Quizás sea por esa fotografía suave y onírica, o puede que la interpretación de Oscar Isaac, acompañada por su entrañable banda sonora, nos llegara al alma. Pero Llewyn Davis, ese personaje melancólico y rudo acompañado de su gato, se ha convertido en uno de los personajes inolvidables del cine de los últimos años.

 

3. Her

 

3

Fotograma de Her – Spike Jonze

 

Spike Jonze ya demostró en el mediometraje I’m Here (2010), que el amor entre tecnologías avanzadas, como los robots, era algo posible. Pero con Her llevó esta idea un poco más allá, convirtiendo a Scarlett Johansson en un sistema operativo y a Joaquin Phoenix en su amante. Su ambientación futurista, pero con un toque vintage a través de los colores pastel que decoran la fantástica fotografía de Hoyte Van Hoytema, hacen de Her una película tan cálida como atractiva para los sentidos.

 

4. Boyhood

 

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Fotograma de Boyhood – Richard Linklater

 

Otra que ya comentamos en su día en este blog, Boyhood, una de esas películas que no podía faltar en el tramo más alto de la lista. El hecho de que estuviera grabada durante doce años hizo de ella uno de los estrenos más esperados del año, y la verdad es que no decepcionó. La película habla sobre la familia y la maduración, cosa que se hace visible durante su metraje, ya que tenemos la oportunidad de observar cómo sus protagonistas crecen. Pero también nos muestra lo importante que es aprovechar el momento antes de que sea demasiado tarde, su secuencia final es una de las más conmovedoras que han pasado por las pantallas en 2014.

 

5. Perdida

 

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Fotograma de Perdida (Gone Girl) – David Fincher

David Fincher es uno de esos directores que parece estar cómodo en cualquier género que se proponga hacer. Pero es cierto que el thriller, en particular, es uno de sus fuertes. Y con Perdida nos deleitó con dos horas y media de pura tensión y suspense. Una cinta llena de giros y matices, que se diferencia del resto de películas sobre desapariciones.

Puede ser que sea una de las películas más realistas del director, pero sin duda sigue construyendo la trama al milímetro, de forma que el espectador se queda atrapado por ella cada minuto que pasa.

 

6. El sueño de Ellis

 

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Fotograma de El Sueño de Ellis (The Inmigrant) – James Gray

 

El sueño de Ellis, o The Immigrant como se le conoce internacionalmente, es una pequeña joya de James Gray en la que pudimos ver uno de los triángulos amorosos más singulares de la gran pantalla, el formado por Joaquin Phoenix, Marion Cotillard y Jeremy Renner.

La película, ambientada en los años 20, trata temas como la inmigración y la prostitución desde un punto de vista muy cercano, poniéndonos en primer término a Ewa, una inmigrante polaca que llega a Nueva York en busca de nuevas oportunidades. Las interpretaciones de Cotillard y Phoenix eclipsan todas las demás y se apoderan de la pantalla como si fueran titanes.

 

7. El Lobo de Wall Street

 

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Fotograma de El Lobo de Wall Street – Martin Scorsese

 

Martin Scorsese nos trae esta comedia negra ambientada en los 80, llena de sexo, drogas y un gran Leonardo DiCaprio que demuestra una vez más que es uno de los mejores actores de los últimos años.

Mientras Scorsese hace una crítica mordaz al mundo de la bolsa en la década de los 80, el espectador se mete de lleno en una montaña rusa, en la que el desenfreno, el biopic y la comedia se entremezclan, haciendo de El Lobo de Wall Street no sólo una película más, sino también una experiencia.

 

8. Nymphomaniac

 

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Captura de Nymphomaniac (Volumen I) – Lars Von Trier

 

Este díptico creado por Lars Von Trier es una de las apuestas más arriesgadas que nos ha traído las carteleras españolas. Si bien sufrió las tijeras de la censura para su estreno en salas, Von Trier conseguía ponerle el broche final por todo lo alto a su trilogía de la depresión formada por Anticristo, Melancholia y Nymphomaniac.

 

9. Coherence

 

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Captura de Coherence – James Ward Byrkit

 

Una de las cintas de ciencia ficción más sencillas y minimalistas de este año se ha llevado nuestra atención y respeto. Coherence es una de esas películas que demuestran que los grandes presupuestos no son lo más importante, sino que una buena historia contada con los medios justos puede ser mucho más innovadora y efectiva que las grandes producciones de Hollywood que intentan llevar el género de la ciencia ficción a otros niveles.

 

10. Snowpiercer

 

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Captura de Snowpiercer – Bong Joon-ho

 

El coreano Bong Joon-ho nos trajo un futuro post-apocalíptico en el que los supervivientes de un experimento fallido por salvar la tierra del calentamiento global son transportados en un tren, el Snowpiercer. En él, los más pobres son usados por las clases más altas para el mantenimiento del tren y hacer realidad sus necesidades.

Snowpiercer es un ejercicio que toma la ciencia ficción como base para hablarnos sobre la sociedad, la crueldad de la raza humana y la supervivencia. Joon-ho demuestra que sabe cómo mezclar géneros como la acción y el drama a partes iguales, creando una cinta que quita el hipo hasta al espectador más exigente.

 

11. Sólo los amantes sobreviven

 

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Captura de Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive) – Jim Jarmusch

 

Jim Jarmusch nos sorprendió con esta peculiar historia de vampiros ambientada en Tanger y Detroit. Una historia que toma el vampirismo como excusa para hablarnos de amor entre referencias culturales y de ese hastío que tanto abunda en la sociedad de nuestros días. Tilda Swinton y Tom Hiddleston crean una de las parejas de chupa-sangre más carismáticas del cine y nos hacen disfrutar de esa extraña naturalidad que tanto caracteriza las películas de Jarmusch.

 

12. Enemy

 

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Captura de Enemy – Denis Villeneuve

 

El canadiense Denis Villeneuve (Prisioneros), se atrevió a adaptar uno de los libros de José Saramago, El Hombre Duplicado, y el resultado fue sencillamente fascinante. Enemy no sólo es un relato sobre dobles y alter egos, sino que crea un micro-cosmos atractivo y potente, capaz de pegar al espectador a la butaca durante todo el metraje.

 

13. La Isla Mínima

 

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Captura de La Isla Mínima – Alberto Rodríguez

 

Y aquí uno de los títulos del cine autóctono más interesante que hemos podido ver este 2014. La Isla Mínima no sólo ha sido una sorpresa, sino que también se ha alzado como una de las favoritas y taquilleras dentro del cine español. Sin duda, un gran ejemplo de cine negro con una fantástica dirección de fotografía que atrapa hasta el último minuto de metraje.

 

14. Orígenes

 

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Fotograma de Orígenes (I Origins) . Mike Cahill

 

Ganadora de la última edición del Festival de Sitges, esta cinta de cine independiente dirigida por Mike Cahill (Otra Tierra) mezcla la racionalidad con la emocionalidad, creando un relato único y vigoroso que puede maravillar a cualquiera con ganas de sorprenderse.

Su protagonista, interpretado por Michael Pitt, es un científico empeñado en demostrar la inexistencia de un ente inteligente creador de la vida. Sin embargo, su mundo y su forma de ver las cosas cambia cuando conoce a una misteriosa chica.

 

15. Musarañas

 

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Fotograma de Musarañas – Juanfer Andrés y Esteban Roel

 

Terminamos la lista con título español que se estrenó hace unos días. Musarañas no sólo cuenta con la increíble interpretación de Macarena Gómez, sino que atrapa al espectador mezclando géneros como el drama y la comedia negra. Su impactante clímax final puede que haga que algún espectador se atragante con las palomitas, pero, sin duda, no dejará a nadie indiferente.